Da boca pra fora |

Serei Amado Quando Morrer (They’ll Love Me When I’m Dead)

Posted on novembro 18, 2018 por mohanad1001

Comecei a assistir o filme O Outro Lado do Vento (The Other Side of the Wind) lançado na Netflix como um tributo ou espécie de resgate das gravações do filme inacabado de Orson Welles.
Quase meia hora de filme e ainda estava perdido, não conseguia entender a premissa e trama do enredo. Desisti porque a internet é limitada e cara demais para gastar com algo que não tem sentido.
Até que me explicaram que para entender melhor O Outro Lado do Vento o apropriado seria assistir ao documentário Serei Amado Quando Morrer (They’ll Love Me When I’m Dead), onde é detalhado os últimos quinze anos do diretor que teve a carreira prejudicada por ter tido um magnífico início: Cidadão Kane (Citizen Kane, 1941).
A fase-título do documentário teria sido dito por ele, quando passou a ser rejeitado por Hollywood, e em muitos filmes o outrora gênio (ele dirigiu e produziu Cidadão Kane com 26 anos) teve que improvisar os términos de filmes em países europeus.
O Outro Lado do Vento seria uma espécie de tentativa de reconquistar Hollywood,tão áspera nos anos seguintes com o cineasta, tanto que outra fala teria sido dita por ele: “Los Angeles é o único lugar em que todas as ruas levam ao aeroporto.Hollywood quer sempre que você vá embora”.
E conforme é dissecado todos os pormenores da produção do que seria conhecido como um dos maiores filmes jamais finalizados, são exibidos problemas de todo tipo, desde divergências com atuação, até o fator financeiro em que apelou por financiamento vindo do bolso do Xá do Irã, verba minguada quando houve a revolução islâmica por lá em 1979.
E diante de todos esses impasse vemos que a frase-título não é um choro clamando por mais quinze minutos de fama. Um dos entrevistados comenta que a atribuição é injusta, pois o próprio Orson Welles teria desmentido.
O documentário elucida bem a história por trás de O Outro Lado do Vento e até mesmo sobre os últimos anos de vida do cineasta, mas além de todo aspecto biográfico a frase-título deixa à flor da pele o que todo e qualquer artista, seja no início, seja na retomada de certo sucesso espontâneo, acaba por carregar sobre os ombros.
O reconhecimento em vida é a imortalização alcançada e almejada por todos.
Hoje, qualquer um pode ser lançar artisticamente mundo afora, seja como músico, pintor, ator e até mesmo como contador de histórias, que é o meu caso.
Porém, os problemas ainda são os mesmos de décadas atrás, a concorrência é gigante e os recursos vão se estreitando conforme alguma conquista é alcançada.
Outro dia vi o trailer do filme At Eternity’s Gate, cuja história é sobre o pintor Van Gogh, sendo estrelado por Willem Dafoe no papel de um dos artistas mais subestimados de sua época.
Ao que parece em vida o pintor vendeu apenas um quadro, e sua criação acumula mais de dois mil trabalhos.
Vi muitos artistas que só levam porradas e acabam por abraçar uma espécie de síndrome de Van Gogh: “Ao morrer, vão descobrir minha arte”.
Queria poder jogar palavras sábias e motivadoras de minha autoria aqui, mas não consegui elaborar nada.
Então, para não ficar como um post pessimista lembrei de um discurso de um dos autores mais influentes nos dias de hoje: Neil Gaiman.
O resumo e ponto alto do discurso é quando ele diz que a vida é dura às vezes, que as coisas dão errado, seja no amor, nos negócios, nas amizades e na saúde.
E que “quando as coisas ficam difíceis, é isso o que vocês devem fazer: Façam boa arte”
“… e enquanto estiverem nisso, façam a sua arte. Façam as coisas que só vocês podem fazer.”
E ainda pouco antes do fim, continua com um dos pontos mais importantes sobre um conselho recebido por Stephen King no auge do sucesso com Sandman e do romance Belas Maldições (Good Omens):
“Isso é realmente ótimo. Você deveria apreciar isso”, teria dito o rei.
“Essa foi a lição mais difícil pra mim, eu acho: relaxar e curtir a caminhada, porque a jornada o leva a alguns lugares memoráveis e inesperados”
Ao ponto que eu aproveitei cada dica apresentada no discurso de Gaiman, essa parte sobre curtir a jornada é uma das mais importantes para os artistas.
Buscar reconhecimento é o natural de todo artista, mas se você não se satisfaz com sua criação, se a tarde perdida criando uma música na solidão de seu estúdio improvisado, do conto que provavelmente ninguém vai ler, do quadro com traços que parecem desafiar o olhar do espectador, se o momento de criação não seja um dos fatores que define sua felicidade, bom, então você precisa revisar seus conceitos.
Essa foto ilustrando o post é uma resposta para quem disse que quase não há fotos minha aqui no site.
E como selfie hoje é um dos maiores símbolos de amor próprio, peguei a que menos gostei, e a que melhor veio a calhar com a frase-título.

Mas não se enganem. Embora eu não seja um escritor conhecido pelos quatros cantos das terras tupiniquins, sigo na luta curtindo cada letra jorrada nas páginas em branco.
E espero que todo(a) artista assim se mantenha na luta.

Ma’a salama!

House of Cards – O Fim

Posted on novembro 3, 2018 por mohanad1001

Com o intuito de anuviar o resultado ainda polarizado pós-eleições decidi me afundar na última temporada da série original da Netflix House of Cards, adaptação americana da homônima mini-série britânica.
E como bem lembro, quando vazaram áudios comprometedores ao presidente Temer a conta do Twitter da série havia postado:
“Tá difícil competir”
Pois bem, a série consegue nos distrair, meros mortais, cidadãos das terras tupiniquins, do nosso peculiar cenário político.
Suas nuances ainda se mantém como nas temporadas anteriores.
E o que mais chama a atenção nessa temporada, além é logico, de sua conclusão, é a curiosidade de como a produção trabalhou para se manter diante da saída de Kevin Spacey, ator principal que dava vida ao personagem Francis Underwood.
Para os desavisados vale lembrar que Kevin foi demitido após surgirem acusações de agressão sexual contra dois atores menores de idade entre outras de má conduta nos sets dessa fabulosa série.
O efeito prejudicou enormemente a carreira do ator, que, não podemos negar o seu talento (vide filmes como Seven, Os Suspeitos (Usual Suspects) e Beleza Americana (American Beauty)), mas que foi compreendido a refilmagem quase que completa do filme Todo o Dinheiro do Mundo (All the Money in the World) em que seu papel foi reencenado pelo veterano Christopher Plummer.
Além do escândalo ter surgido no apogeu do movimento Me Too, em que várias atrizes se pronunciaram sobre agressões sexuais em Hollywood, um dos motivos que tornaram Kevin Spacey um merecedor de certo excomungação foi o fato de no momento de sua defesa ter dado uma “carteirada gay”, como se justificasse suas agressões ao jovens.

Amigos e amigas, daqui pra frente terá uma penca de spoilers, então, se quiser evitá-los, esse é o momento, mas ficaria grato se retornar a esse post após ter assistido.

POTUS

E é com todo esse clima de empoderamento feminino que a derradeira temporada se inicia, e não por mero oportunismo do momento.
É claro o acerto e sorte que a temporada anterior terminou com o afastamento de Francis Underwood da presidência, facilitando e muito o trabalho dos roteiristas de justificar o desaparecimento do rosto até então principal dessa série, que usa muito o artifício da quebra da quarta parede (quando o ator fala diretamente ao espectador).
Quando a atriz Robin Wright liberta um passarinho, declarando que “dor é dor” e desfazendo uma das primeiras grandes frases ditas nos primeiros minutos da série, lá nos idos anos de 2013, sabemos que sua personagem terá não somente uma voz própria, mas com a força necessária que o feminismo vem alcançando atualmente, pois, vale lembrar, estamos falando do mais importante cargo do planeta, quando um POTUS será uma mulher?

O mais surpreendente é que mesmo com as menções a Francis Underwood não senti falta de Kevin Spacey.
As cenas em que indicam o seu funeral ou tudo o que permeia sobre ele na mídia, nada disso deixa escapar única imagem sequer do rosto de Kevin Spacey, e isso é bom, notório de um ótimo trabalho de roteiro, que mostra a todo momento que os preconceitos ao fato de uma mulher ocupar o cargo de Chefe de Estado da nação mais poderosa do mundo está, nas entrelinhas ou diálogos diretos, como na cena em que Claire Underwood está cumprimentando soldados que irão para uma missão na Síria e uma soldada a confronta questionando sobre se ela tinha um plano sobre poupar as vidas das forças que estariam em campo, ao que a resposta da presidente é: “Você me perguntaria isso se eu fosse um homem?”, deixando a militar sem réplica.

Há também outras nuances que conseguem se reconectar com o público atento ao assunto feminista, e sim, vai de abortos escondidos por ela para não impactar a carreira política do casal, até a gravidez (It’s a girl!) que surge de forma quase que como um baque (a personagem e atriz aparentam ter mais de 50 anos), além de certos abusos que ela comete ao apropriar da imagem de mulher frágil num cargo que vem traições de todos os lados possíveis, e sua aula de como uma imagem sua chorando foi concebida, indicando que a encenação não é tão simples como parece.

Fragilidade? Não se deixe enganar

Há um ponto marcante e mais digno de atenção, que é o do momento em que ela demite todo o seu gabinete e o renova inteiramente com mulheres, com a pretensão de mostrar ao mundo sua visão, sua ideia de criar um legado e uma nova era na política que mexe com o globo inteiro.
Outro, muito marcante, é quando ela toca na ferida no episódio final, dirigido pela própria Robin Wright (mas ela já dirigiu outros nas temporadas anteriores, não foi mero apelo ideológico), em que questiona aos presentes na “war room” sobre uma decisão sua de grande impacto mundial que envolve os russos e o grupo terrorista OCI (alusão ao ISIS), se alguém que conhece a palavra misoginia saberia dizer qual é a palavra designada por odiar homens. No silêncio dos presentes ela diz: “Misandria. Eu tive que procurar”, e completa indicando que sua ideia é que “todos, independente de gênero, deveriam reavaliar as noções preconcebidas sobre quem pode ou não atuar como chefe de Estado”.

Além de todo esse deslocamento que o escândalo de Kevin Spacey permitiu, a série prolongou o momento mais fantasioso acerca das conspirações envolvendo governo e mega-corporações familiares, em dá outro espaço a uma atriz antagônica que tem ligação direta no passado de Claire Underwood, sendo uma amiga de infância, e eis que temos vários takes de flashbacks com cenas da infância e adolescência da atriz principal, algo até então inédito na série, pois todo o passado de Francis Underwood era ditado somente em comentários.

House of Cards foi uma série que me cativou nesses últimos cinco anos (Caraca! Como o tempo voa). Sua trama não tão complexa, mas permeada de trajetórias com reviravoltas nem tão previsíveis, escancarando um mundo tão distante da realidade do povo (da minha, pelo menos) em que há uma concepção milenar e maduro da democracia, que se sustenta, ainda, apesar de todos os seus defeitos, como o melhor modelo que a sociedade humana deve seguir, mesmo que envolta em mecanismos de interesses ocultos e nada igualitários perante ao resto dos cidadãos.

Fiquei feliz com o resultado final, com as emoções sobre os fins nada dignos de personagens que lutavam de fato pelo bem da democracia, e aceitando o daqueles que fizeram parte das arapucas engendradas desde o início da malandragem de Francis Underwood e que coube à Claire se desfazer para se distanciar de tudo que pudesse comprometer a ela e sua permanência no cargo, e ainda, até a surpreendente cena final, com a ameaça de que tudo pode ruir e dar errado para ela, nos lembrando a todo momento que esse mundo de poder não passa de um mero e delicado castelo de cartas.

Ma’a salama!

O Melhor de 2017

Posted on janeiro 2, 2018 por mohanad1001

Dizia em algum fórum de teóricos da conspiração que 2017 seria o terceiro centenário da franco-maçonaria, e que em tal aniversário os donos do mundo queriam colorir os céus com fogos nucleares para celebrar o seu domínio universal.
Apesar de o Doomsday Watch ter avançado alguns minutos para a meia-noite com os dois doidos de pedras com poder a trocarem insultos e ameaças, a saber Trump e Kim Jong-Um, tudo correu bem. Com a exceção de uma bomba-mãe lançada no Afeganistão pelos EUA, nenhuma ogiva nuclear voou pelos céus.
De foguetes, espero somente os da SpaceX e agências espaciais afins a caminharem rumo ao progresso humano, e não à destruição.

A gafe de início de ano foi na cerimônia do Oscar, em que erraram a nomeação do prêmio principal da noite, o de melhor filme, fazendo todos os produtores e atores de La La Land subirem ao palco receber a estatueta até perceberem que não eram os reais vencedores. Moonlight venceu, rendendo até música de Jay-Z sobre a sua nova exteriorização de músicas sobre o racismo contemporâneo.

Jordan Horowit exibe o real vencedor da noite: Moonlight

Embora até esse minuto eu esteja no Hype do episódio 8 de Star Wars, o filme do ano foi com certeza Dunkirk de Christopher Nolan, sobre a batalha perdida na praia de Dunquerque, em que a sobrevivência se transforma na maior vitória em cenas de desespero acompanhadas pela rima de tensão de uma narrativa não linear entre diferentes pontos de vista dos acontecimentos e da trilha sonora do compositor Hans Zimmer em que abusou da Escada de Shepard.

Dunkirk: Sobrevivência é a maior vitória

Outra pérola foi Blade Runner 2049, um filme com excelente produção de arte, acertou em não realizarem um remake, a opção da continuação deu folego ao clássico, cuja missão não seria de superar o original de 1982. Embora o filme tenha sido um dos melhores do ano, não é para qualquer espectador, a duração de pouco mais de duas horas e quarenta minutos para uma narrativa sem muita ação num futuro cyberpunk pode ter feito alguns desavisados saírem reclamando do filme. Azar o deles…

Na telona brasileira o filme do ano foi Bingo: O Rei das Manhãs, do direto Daniel Rezende, que foi indicado ao Oscar de melhor montagem por Cidade de Deus em 2004.
O filme mostra a vida de um ator de pornochanchadas tentando subir na carreira, até que se arrisca num teste de audição para o papel de um apresentador de um programa infantil vestido de palhaço que fazia sucesso nas tevês americanas, mas que por aqui o padrão do roteiro não estava vingando, até que o ator decide improvisar e tomar aulas com um palhaço de circo de verdade, interpretado pelo falecido Domingos Montagner. Vladimir Brichta tem uma ótima atuação nessa história em que um palhaço doido num programa infantil nos anos oitenta acaba em drama.

Bingo: típico programa infantil dos anos 80

Logan foi uma grande surpresa, estava com o pé atrás pelos trailers que havia visto, o resultado foi magnifico na despedida do papel de Hugh Jackman como o mutante machão que levou muito chumbo na vida. Além do pesar dos personagens, as cenas de ação ficaram sublimes por sua simplicidade. O que ocorreu no cassino, sem muito CGI me deixou extasiado.
Planeta dos Macacos: A Guerra (War for the Planet of the Apes) foi outro ponto alto do ano. Com coragem de fecharem a trilogia sem deixa para continuação, o filme foi perfeito em mesclar elementos de outros gêneros, além do clima do clássico Apocalipse Now havia cenas em que senti requintes de um faroeste.
Menções honrosas: Corra! (Get Out!), Trainspotting 2, Estrelas Além do Tempo (Hidden Figures), Fragmentado (Split) na brilhante volta de M. Night Shyamalan, Valerian e a Cidade dos Mil Planetas (Valerian and the City of Thousand Planets) e Sully – O Heroi do Rio Hudson (Sully).

No mundo das séries, Game of Thrones atingiu o seu apogeu em audiência e popularidade, mas senti que essa temporada foi menos conclusiva que a anterior, os Caminhantes Brancos pareciam o povo hebreu da época do êxodo vagando no deserto, demoram muito para chegar até Westeros e a desculpa de que precisavam do dragão não cola, visto que teriam todo o processo adiantado se tivessem beirado a muralha.
A estreia mais aguardada teria sido Deuses Americanos (American Gods), baseada no livro de Neil Gaiman, sobre uma guerra entre os antigos e novos deuses. Apesar dos episódios terem se estendido de forma redonda com a primeira parte do livro e o final ter ficado modesto, há dúvidas se a série continuará, pois o diretor e produtor Brian Fuller já sinalizou problemas de divergência criativa com os estúdios. Seria outra furada do diretor que já nos deixou órfãos de Hannibal?
Pude cumprir com a minha meta de matar as séries Californication e Mad Men.
Californication possui episódios de curta duração, menos de 30 minutos, enredo simples, muitos dos quais com finais previsíveis, mas me cativou quando mais moleque (entenda-se algo entre 21 anos), talvez pelo fato de ser na Califórnia. Ou então, se for mais verdadeiro comigo mesmo, pelo fato do personagem principal Hank Moody (David Duchovny) ser um escritor boêmio que pegava muita mulher top e eu deve ter pensado que ser escritor seria isso…
Já Mad Men, que série engenhosa! Acho que ficaria no meu Top 5 de séries. Em muitos momentos parava e pensava que não passava de novela, mas como me desgrudar desses episódios? Muitos personagens bem trabalhados nas tramas, o roteiro de acordo com a época, muitos detalhes históricos entremeados (década de 1960) com tudo que podia se afetar, fosse na área da publicidade e propaganda, fosse no cotidiano.
Mas a série que me cativou de maneira incompreensível foi a temporada de Twin Peaks desse ano, continuação da primeira temporada de 90-91, isso mesmo, essa série veio ser continuada após todo esse tempo, com apenas um filme prequel lançado em 92 intitulado Twin Peaks – Fire Walk with Me.
Em vários episódios (se não em todos) me perguntava: “Por que estou assistindo isso?”, pois além de não ter assistido à temporada original, mea culpa eu sei, a história tem um pontos de liberdade criativa excessiva, pois o diretor nada mais é que David Lynch, que já o conhecia por filmes como Duna (Dune) e Cidade dos Sonhos (Mulholland Drive).
Twin Peaks pode ser comparado a um Arquivo X, porém, com requintes de filme arte feitos com baixo orçamento, há efeitos especiais mais simples dos encontrados em episódios antigos de Power Rangers, no entanto, as cenas, diálogos, personagens excêntricos e fotografias dedicadas te prende, e por mais que você não saiba a razão de assistir aquilo verá até o último episódio e ficará torcendo para que a próxima temporada não demore outros 25 anos.

Twin Peaks O Retorno: se não entender 90% dessa série e ainda assim adorar, bem-vindo a bordo

De HQ’s achei um ano fraco, não foi muita coisa que me atraiu atenção, apesar de diversos títulos terem sido lançados. A exceção foi a nacional Rio 2031, de Giuseppe Andreozzi e Gabriel Picolo, em que num futuro não muito distante o mundo se vê em uma nova guerra fria, divida entre as potências TheNation e NewState, criadas por conglomerados de multinacionais. Em cada uma dessas novas superpotências existem os TIMED’s, meta humanos cujo poder tem limite que culmina junto com sua vida, por isso o nome de Timed.
No primeiro volume, vemos que o Rio de Janeiro ainda não se uniu a uma dessas potências, se transformando num palco de disputa entre milícias, mutantes e políticos.

Rio 2031

No ano em que dominou Despacito e Shape of You o que me deixou naquele replay infinito foram as faixas do novo álbum de Gary Numan: Savage (Songs from a Broken World) e além delas, a intimista Bed of Thorns, faixa inspirada e incorporada à trilha sonora do filme Ghost in the Shell.
Além disso, Macaco Bong lançou um albúm estonteante, em que com o seu estilo fizeram uma releitura do clássico Nevermind, transformando-se no Deixa Quieto. O trabalho é de pirar.
Outro lançamento primordial para os meus tímpanos foi o álbum Death Song, da banda The Black Angels. Sim, o rock ainda vive, e melhor, respira sem aparelhos quando toca ao estilo psicodélico como na lúdica faixa Life Song. Viagem Pura.

Em um ano que foi se concluindo com muito stress uma leitura salvou minhas noites: John McLoving e a Busca do Mijo da Vida, do autor Mickael Menegheti.
Se o “Mijo” no título não passou despercebido pode ter certeza de que o livro também não foi apenas um nesse ano, dos nacionais foi o meu predileto, por ser de faroeste e ser recheado de comicidade em aventuras numa história alternativa em que o Brasil foi colonizado pelos ingleses, e ao invés de um Cristo Redentor há um enorme Big Ben no Corcovado. Mcloving é rápido no gatilho e danado a encontrar o que busca, mesmo que seja o mijo da vida, lenda indígena que o carrega numa jornada tresloucada entre vários tiroteios e bolas de feno rolando.

John McLoving: Faroeste num Brasil diferente

Dos internacionais foi Enclausurado, do inglês Ian McEwan que me deixou fascinado. Dando pinceladas de nostalgia literária ao me lembrar de Memórias Póstumas de Brás Cubas, pois o narrador da história nada mais é do que um feto, enclausurado no ventre da mãe, em diversas reflexões sobre o mundo que o aguarda, enquanto é testemunha do adultério da mãe com o tio e dos planos do dois para assassinarem o pai para ficarem com uma casa antiga como herança.

Enclausurado: um feto reflexivo e ansioso

Sou do tipo que luta contra quando alguém diz que uma história “passou uma mensagem”, e não vou me contradizer aqui. Enclausurado reafirmou (e não mais do que isso) em mim a minha natureza míope: sou um otimista incorrigível.
E é com essa afirmação que encerro com a foto que mais me tocou nesse ano em que o holocausto nuclear não ocorreu como alguns teóricos da conspiração desejaram.
Nela, o morador Mohammed Mohiedin Anis de 70 anos fuma cachimbo e escuta música no quarto de sua antiga casa destruída em Aleppo, na Síria.
Apesar dos apesares, tamos aí! A vida tem muita arte e beleza para nos agraciar.

Mohammed Mohiedin Anis: apesar dos apesares, tamos aí!

Ma’a salama 2017!

Genocídio em Pauta – Parte Dois

Posted on novembro 2, 2017 por mohanad1001

Esse post é a continuação da Parte Um.
Decidi dividir em dois para dar a devida atenção em cada filme em separado.
Neste, falarei sobre o recém-lançado First They Killed My Father (Primeiro Mataram meu Pai, em tradução livre) dirigido por Angelina Jolie e baseado no livro homônimo de memórias da autora e ativista cambojana Loung Ung.
A estética desse filme é fiel ao estilo de um livro de memórias, Angelina soube trazer essa sensação ao centralizar todo o enredo na protagonista não somente nos takes, mas também com POV’s que deixam suaves algumas cenas quando sabemos que o olhar é de uma criança na casa dos cinco anos.
O enredo se passa quando o Khmer Vermelho, o partido comunista liderado por Pol Pot tomou conta do país após os EUA tirarem o dedo intervencionista. Durante a guerra do Vietnã o Tio Sam bombardeou o Camboja, considerado neutro no conflito e isso gerou indignação ao povo. O filme é iniciado com um discurso de Nixon sobre a retirada do país ao som de Sympathy for the Devil, dos Rolling Stones.
A escalada vertiginosa de vitória do partido comunista estaria ligada a essa retirada, dizem muitos historiadores.
Fato curioso quanto ao posicionamento de Angelina Jolie a tal assunto é o fato de um de seus filhos adotivos, Maddox, ser de origem cambojana. Curiosidade do filme é de Maddox ter sido um dos produtores executivos, e detalhe, ele tem por volta de 16 anos.
Angelina já se engajou em causas sobre refugiados antes como em produções como Amor Sem Fronteiras (Beyond Borders) e no documentário Human Flow, além de ter visitado diversos campos desde que se tornou embaixadora da Boa Vontade da ONU em 2001.

A ambientação da fotografia do país tropical traz a dor do que os personagens sentiram, vemos fartura nas vilas e cidades entre as florestas, um povo modesto e simples que sentiram um regime autoritário dominar tudo em poucos anos com punho de ferro, implementando uma política cuja ambição era transformar todos em indivíduos trabalhadores do sistema denominado Angkar, que inclinava a nação inteira em se transformar em uma supridora agrícola para os camaradas que estariam lutando a guerra contra os capitalistas opressores.

Enquanto há cenas de horror direto, como as crianças que são separadas dos pais porque os mesmos estariam “poluídos” pela ideologia incorreta, há aquelas que chocam de maneira mais discreta, como a lavagem cerebral que os pequenos sofriam nas salas de aula em acampamentos simples, vestindo a mesma indumentária preta e boina. Além daquelas em que ouvimos de um megafone frases que se repetiam durante o dia como “O Angkar é o verdadeiro pai”, “O Angkar é o grande líder”, a semelhança de uma distopia ou ficção cientifica é assustadora, tanto mais ao saber que aconteceu de verdade.

Esse filme bate na tecla não somente no fato de mostrar o que aconteceu e fixar tal ocorrência em um mural no Never Forget, mas também soa como uma crítica quanto às nossas preocupações ao que realmente está acontecendo. Explico: os mesmos hippies que protestaram quanto a retirada das tropas americanas não se importaram com os efeitos que possibilitaram o genocídio no Camboja.
Fato semelhante seria a retirada dos americanos no Iraque que possibilitou o ISIS ou Daesh se preferir, a matar milhares e milhares de pessoas que não fossem islamitas extremistas.

Genocídios partem sobre qualquer etnia e grupo. E surgem de qualquer etnia e grupo que se possa imaginar também.
Fato mais recente (AGORA MESMO) é a perseguição que os Rohingya, minoria muçulmana , vêm sofrendo em Mianmar, país de maioria budista. Yep! Isso mesmo, aqui vemos um quadro em que budistas estão cometendo um genocídio contra muçulmanos.

Mas talvez podemos nos emocionar e pensar no quão insensato foi tal acontecimento daqui dez ou quinze anos quando transformarem o massacre num filme.
Não que devêssemos abandonar o #NeverForget, mas acho que devíamos nos concentrar mais no #NotNow.

PS: Há uma campanha no Avaaz: Parem de apoiar os matadores de Mianmar
Ela já acumula mais de um milhão e duzentas mil assinaturas.

Ma’a salama

Genocídio em Pauta – Parte Um

Posted on outubro 19, 2017 por mohanad1001

Assistir dois filmes sobre genocídio na mesma semana dá aquele shake na mente e isso é um gatilho o suficiente para falar sobre esse tema sombrio.
Então, aperte os cintos, que o assunto poderá um ser um pouco extenso, tanto que sabiamente dividi em duas partes.
O primeiro filme é uma produção que passou despercebida até mesmo por mim, que assisto mais trailers e novidades sobre filmaking do que os longas em si.
A Promessa (The Promise) foi lançado nesse ano com atores de grande quilate nos papeis principais: Oscar Isaac como Michael, o armênio de uma vila pequena com a humilde ambição de ser tornar médico e ajudar a comunidade em que cresceu, Charlotte Le Bon como Ana, a armênia que será a beleza que entrelaçará um triângulo amoroso com Michael e Chris, um repórter interpretado por Christian Bale, que no então Império Otomano trabalha como correspondente e observador das tensões que estavam a se desenvolver no início da primeira guerra mundial.

Oscar Isaac como Michael, a promessa ganhou outro significado: o genocídio armênio não pode ser esquecido

O curioso desse é o tema do genocídio armênio ser tratado pela primeira vez por Hollywood.
Geralmente grandes produções de guerra focam na segunda guerra, momento histórico em que os EUA se formaram como a maior potência do mundo.
Porém, o problema não era apenas essa falta de gancho simbólico para poder estender a bandeira americana numa cena que inflamasse patriotismo.
O maior impasse deliberado sobre tal genocídio são as alianças políticas que dificultaram a exploração do tema. A Turquia até hoje nega que tal atrocidade tenha ocorrido, não reconhecem sequer o termo genocídio. Possuem seus termos para explorarem os acontecimentos da época, como uma guerra civil descontrolada que sucedeu com baixas entre dois lados.
Mas todos os historiadores e documentações corroboram com a versão constrangedora da humanidade. Mais de 1 milhão e meio de armênios foram mortos entre 1915 e 1917.
Aqui em São Paulo temos uma estação do metrô e um memorial dedicado ao acontecimento, poucos notam isso.

Memorial armênio em São Paulo

Muitos se sensibilizam com filmes sobre genocídios, e todo ano há ao menos um sobre o holocausto disputando atenção e a manter a tal consciência do Never Forget.
Mas esses mesmos muitos acabam se furtando de um interesse global e deixam apenas para se emocionarem com boas atuações.
A Promessa tem um triângulo amoroso num melodrama que é abafado pelo desespero da guerra e o genocídio elaborado pela potência turca que tinha como grande aliado naquela guerra a Alemanha que pelas mãos do Kaiser abastecia seu exército com navios e artilharias modernas
Um povo que não teve grande oportunidade de se defender, castigado por um ato conhecido como Marcha da Morte, onde milhares de homens, mulheres e crianças foram lançados ao deserto de Deir ez-Zor para morrerem por inanição e desidratados.
Após assistir ao filme vi que após seu lançamento no festival de Toronto milhares de trolls classificaram site IMDB com uma estrela para desmerecer a obra.
Fato interessante foi quando soube que o investimento não veio de todo dos estúdios americanos e sim de uma herança de Kirk Kerkorian, filho de imigrantes armênios que fez fortuna como empresário e dono de cassinos e que faleceu em 2015, ano do centenário do genocídio.
“Tá, você é o cara que já sabia desse genocídio há muito tempo e agora tá bancando o pedante e crítico do desinteresse dos outros”
Na verdade, sei do genocídio armênio desde que me interesso por rock. Sim. Como admirador da banda System of a Down sempre dei ouvidos ao frontman Serj Tankian, que possui descendência armênia e mantinha o discurso de encorajar a propagação do que ocorreu ao seu povo.
Mas o meu interesse escapou pela diagonal e na época do lançamento do Youtube além de ver vídeos engraçados assisti dezenas e dezenas de documentários sobre outras matanças, como por exemplo o de Ruanda, que por curiosidade há um filme obrigatório para assistir do mesmo diretor de A Promessa: Hotel Ruanda.
E não me sinto confortável, em nenhum aspecto de minha vaidade, em me considerar um pedante quando discorro sobre o tema.
Se achou isso deixo a minha queixa: Pare de ser tonho(a) e se ligue no assunto que é mais urgente.
Pressão política sobre algo que ocorreu há um século é valido sim, tanto mais quando atualmente há uma força contrária aos que se pronunciam contra a Turquia que enverga por um caminho obscuro com Erdogan no poder.
O filme incomodou o antigo Império Otomano. Em defesa de sua versão a Turquia produziu um filme intitulado The Ottoman Lieutenant, que em rápida pesquisa notei críticas severas quanto à desconstrução dos acontecimentos históricos.
Para se ter uma ideia, seria o mesmo que se a Alemanha tivesse lançado uma versão em que mostraria “um soldado nazista consciente que honra o país e o governo ao mesmo tempo em que tentaria salvar alguns judeus de uma guerra civil perpetrada pelo próprios semitas em solo europeu”.
Antes de considerar que as minhas comparações estão tendendo ao desmerecimento do holocausto volto a dizer: Pare de ser tonho(a).
Uma das maiores propagandas das campanhas do #NeverForget enfatizaram que a humanidade precisa, urgentemente, a aprender a se curar com os genocídios, de forma a identificar o patógeno e evitar que outros aconteçam, e não somente ficar rememorando em cenas que arrancam lágrimas.
Um dos banners que vi em 2015 num show da banda SOAD na Armênia trazia uma imagem de uma silhueta do imperador turco usando um chapéu fez e outra de Adolf Hitler com seu bigodinho com os dizeres em tradução livre: “Condenando o primeiro, nós poderíamos ter evitado o seguinte”

Never Forget

PS: entenda “tonho(a)” como bem lhe aprouver.
PS2: A parte 2 sairá em breve.

Ma’a salama

Deixa Quieto (Nevermind)

Posted on outubro 4, 2017 por mohanad1001

A banda Macaco Bong lançou agora em setembro mais um álbum fodástico.

Se você curte bandas que priorizam faixas integralmente instrumentais e em algum momento da vida foi apaixonado por Nirvana (a banda do século, não o estágio de libertação final do budismo) provavelmente irá adorar o álbum Deixa Quieto.
A banda produziu o álbum de forma independente e disponibilizou em seu canal no Youtube o disco na íntegra para quem quiser ouvir e pirar com o trabalho:

Ma’a salama

Death Note

Posted on agosto 28, 2017 por mohanad1001

Na última sexta-feira (25/08) estreou mundialmente a versão americana de Death Note, sem subtítulo em português mesmo pela Netflix Brasil.
Se em 2015 a Netflix buscava galgar as mais altas premiações cinematográficas com o lançamento de Beasts of Nation, que tinha bom roteiro, direção, produção e atuações, hoje vemos que a adaptação do anime homônimo que conquistou milhões de fãs parecia estar mais interessada no entretenimento.
Ao que parece, a exibição foi exclusiva ao streaming, seguindo os exemplos de outras produções originais de baixos orçamentos e também de pomposos, com produtores e atores de renome, como War Machine, drama de guerra protagonizado por Brad Pitt.
Nunca li o mangá ou assisti ao anime original. Única vez pude assistir à versão japonesa de Death Note, somente o primeiro dos três, não por desinteresse, falta de oportunidade mesmo.
Mas o filme lançado em 2006 me cativou com sua trama envolvente, lembro de ter pensado em porquê ignorei aquele mangá estranho. Por pobreza preguiça, não pude adquirir os volumes.
Talvez, por ser vítima da comparação e da alta expectativa, não gostei tanto da versão americana lançada na semana passada.
Não é de toda ruim, o visual é legal, os efeitos e algumas mortes são apelativas, mas não exploradas de forma exageradas.

Shinigami, o ceifador versão nipônica

Os personagens que não se encaixaram com as minhas expectativas, sim, talvez seja pela comparação com a versão japonesa. Mas, juro que tentei separar o joio do trigo, tomei umas brejas para ajudar. Simplesmente não desceu.
Aí entrou questões importantes que confrontaram o meu ponto crítico.
A produtora desse longa é nada menos que a própria distribuidora e divulgadora, a poderosa Netflix. E para os poucos que sabem, ela tem apenas uma sala com a placa escrito “Criação” na porta, onde dentro ficam grandes mentes artísticas gastando longas horas de brainstorming e palpites de tendências do entretenimento. Nope! A poderosa do streaming trabalha com um dos maiores mecanismos de Big Data do mundo.
E é a partir de dessas análises que são captadas por sofisticados algoritmos que tiram insights do que seria produção com grandes chances de audiência.

Um exemplo foi a série House of Cards, nascida após o cruzamento de dados ter indicado em resumida deixa:
“Todos os espectadores que assistiram à versão britânica de House of Cards gostam também dos filmes em que o Kevin Spacey é o protagonista e de suspenses maduros e realistas e sombrios dirigidos pelo David Fincher”.
Pode parecer um A+B+C+D = X, mas os mecanismos da gigante capta praticamente tudo que pode quanto ao que um assinante assiste. Como quando deixou de assistir um filme, um evento de “qual cena foi a responsável pelo abandono?” trabalha sobre o seu perfil.
Nesse ano eles alteraram de forma brusca a forma de rating, ou como um espectador avalia um filme. As antes cinco estrelas foram substituídas pelos sucintos gostei-nãogostei. Agora somos como um imperador romano, decidimos com polegares a sorte da obra assistida.
E o que tudo isso tem a ver com a versão americana de Death Note?
Que conhecendo a Netflix sei bem que a produção não nasceu da conversa de um produtor com o executivo-mor. Minha certeza quase (sem modéstia, afinal, erro bastante nessa vida) absoluta é que o filme foi o resultado de alguma análise maciça de dados que se cruzaram e indicaram os preâmbulos de como seria o enredo, os personagens e suas ações.
Provavelmente eu não faço parte do perfil que eles pretendiam atingir e agradar. Para quem fuça o seu catálogo em seus gêneros e subgêneros sabe bem que eles atiram para todos os lados, com a ambição de conquistar todos os grupos de perfis possíveis.
Não gostei muito dessa versão, mas devo salientar e bater na tecla de que não sou contra novas versões, sejam de livros, hqs, músicas ou filmes.
Lembro de ter ficado empolgado quando anunciaram um longa de Akira produzido por Christopher Nolan. Adorei a versão Ghost In The Shell com a Scarlett Johansson como protagonista. E certamente haverá outros exemplos que me é gasto o exercício da lembrança.
Arte é isso. Um eterno renovar das perspectivas.
Só há o risco de não agradar certas personas. Mas todo artista assume esse risco quando vai adaptar qualquer obra que seja.

Ma’a salama

Star Wars 40 anos e Dia do Orgulho Nerd

Posted on maio 25, 2017 por mohanad1001

Hoje é o Dia do Orgulho Nerd.
Data escolhida por ser o dia de estreia do primeiro Star Wars , hoje conhecido como Episódio 4 – Uma Nova Esperaça (Episode 4 A New Hope), em que o mundo conheceu a space opera que veio a se tornar na saga empolgante que criou toda uma cultura alternativa com seus mitos, símbolos e personagens idolatrados (Darth Varder deve ser o vilão mais admirado e adorado do mundo se comparado com os herois da saga).
Vale lembrar que a saga havia se encerrado com o Episódio 3 em 2005, mas em 2012 a Disney comprou a Lucas Films, estúdio do visionário George Lucas e renovou a franquia dando continuidade com o Episódio 7 – O Despertar da Força (Episode 7 The Force Awakens) e sem previsão de fim, com a ambição de lançar um filme a cada um ou dois anos, proposta que está sendo cumprida até o momento.
Essa quarentona está num pique como se estivesse nos seus vinte e poucos.

SW 40 anos

O dia também é conhecido como o Dia da Toalha, em referência à hilária série O Guia do Mochileiro das Galáxias de Douglas Adams.

O conceito de ser nerd hoje se popularizou e muito com as diversas obras de ficção científica e fantasia adaptados nos últimos 20 anos.
Por mais que tudo seja uma gritaria demandada pelas grandes corporações do entretenimento é bacana ter uma data para celebrar esse gosto por magias e conflitos em outras galáxias para alegrar esses diferentões.

Ma’a salama

Estrelas Além do Tempo (Hidden Figures)

Posted on fevereiro 26, 2017 por mohanad1001

A corrida espacial entre EUA e a antiga URSS entre os anos 1957 e 1975 foi uma disputa que criou um levante de empregos e prestadores de serviços para apoiar as agências espaciais. Os russos estavam na frente com o Sputnik, Laika e Yuri Gagarin, mas os americanos não deixaram o sonho morrer, com o aval de Kennedy passaram a mirar a Lua.
Mas Estrelas Além do Tempo (Hidden Figures) está anos-luz de ser apenas um filme que endossa a supremacia e idolatria americana focando em seus avanços científicos. Tem sim a Nasa de 1961, e um monte de engenheiros cdf’s empenhados em como colocar um ser humano num míssil gigante e enviá-lo para além das nuvens. Porém, é a história de três afro-americanas que torna tudo num drama clássico sobre uma superação não entre nações, mas de preconceitos que infelizmente ecoam até os dias atuais.

Acompanhamos as amigas Katherine Johnson (Taraji P. Henson), Mary Jackson (Janelle Monáe) e Dorothy Vaughan (Octavia Spencer) que trabalham no mesmo setor, mas destacadas para funções diferentes, com o foco centrado mais no trabalho de Katherine que como ótima calculadora com sólidos conhecimentos em geometria analítica vai auxiliar no Grupo de Tarefas Espaciais onde tem como chefe Harrison (Kevin Costner) que é durão, mas aos poucos mostra certo despontamento de justiça.

Quebrando barreiras: mulheres negras na Nasa

Todos os elementos do preconceito enraizado no estado da Virgínia que tinha como lei a segregação racial são expostos sem medo de chocar e na medida certa para não ser exclusivamente um condimento muito apimentado.
Sempre que sofria com o preconceito sentimos aquela tristeza nos olhos das personagens, que duram poucos segundos, porque as mesmas não se abalam e partem para cima no sentido de enfrentar as barreiras não com violência, mas com a determinação de que podem conquistar os mesmos direitos, pois são tão capazes quanto ou melhores naquilo em que atuam.

Momentos de mérito são vários, como a cena em que Katherine justifica uma pausa de quarenta minutos fora do escritório de Harrison porque o banheiro para pessoas de cor ficava a 1,4 km de distância e o diretor vai até o local com um pé-de-cabra arrebentar a placa Colored Ladies Room e diz “Aqui na Nasa urinamos na mesma cor”

As outras duas protagonistas não ficam para trás, há julgamento em que Mary precisa conquistar o direito de cursar engenharia, algo impensável para uma mulher e negra na época.
Dorothy que é a primeira mulher negra a entrar na Nasa também se destaca por sentir que o trabalho das calculadoras será extinto com o avanço tecnológico dos computadores, e ao ver gigantes máquinas da IBM entrando no prédio vai a uma biblioteca procurar um livro sobre a linguagem Fortran porque sabia que alguém precisaria programar as máquinas para realizarem os cálculos.

Quem disse que mulher não manja de matemática?

Curiosidade é que a trilha sonora é de Pharrel Williams e deixa alguns momentos menos amargos num drama que merece atenção não somente no prisma artístico, mas também numa comparação com os dias atuais, em que o preconceito contra negros é forte, mesmo nos EUA ou até mesmo aqui no Brasil.
Há quem diga que separações e conflitos trazem progresso, mas de que adianta quebrarmos as barreiras do universo e termos separações entre os próximos aqui na Terra?

Ma’a salama

Até o Último Homem (Hacksaw Ridge)

Posted on fevereiro 26, 2017 por mohanad1001

Foi difícil dar crédito ao trailer de Até o Último Homem (Hacksaw Ridge), achei que seria uma história religiosa cafona, principalmente quando o diretor é nada menos que Mel Gibson, que se envolveu em diversas polêmicas por suas ofensas antissemitas e racistas, inclusive depois de ter dirigido A Paixão de Cristo (The Passion of the Christ), e todo o seu problema com o alcoolismo que impediu que ele fizesse uma ponta em Mad Max – Estrada da Fúria (Mad Max Fury Road) o que desfaz qualquer tentativa dele em parecer um bom cristão.

Mas quando fui introduzido ao filme, que tem Andrew Garfield como o protagonista de uma história de guerra real, percebi que essa é uma verdadeira obra realizada por quem dirigiu o épico Coração Valente (Brave Heart).
Há uma quebra na história semelhante ao memorável Nascido para Matar (Fullmetal Jacket) do Stanley Kubrick, em que a primeira metade se passa no camping de treinamento com um sargento durão compelindo os novatos a duros exercícios e ensinamentos de conduta e a outra em campo de batalha com os soldados a encarar a realidade de uma guerra em que o inimigo parece lutar de forma mais empenhada e embasada em sua ideologia.

No entanto, a diferença nesse filme é que o personagem principal, Desmond Doss, é adventista do sétimo dia e um Objetor da Consciência, fato que torna tudo mais interessante porque ele recusa portar uma arma durante o conflito.
A recusa causa indignação entre os colegas e superiores de farda. Quando questionado, Desmond diz que quer salvar vidas e não tirá-las, e seu alistamento não era para ser um fuzileiro e sim médico da tropa.
Há todo um processo de julgamento por indisciplina e insubordinação que mostra que tal pensamento mezzo religioso mezzo humanista não poderia ter lugar no exército do país que estaria a se tornar a maior potência mundial.

Andrew Garfield como o novato Desmond Doss

Esse não é o único empecilho na vida de Desmond, os problemas familiares não são ausentes quando se tem um pai alcoólatra que sofre com os traumas da Primeira Guerra mundial e que sempre foi violento para com ele e o irmão, e o fato de tal homem ser interpretado por ninguém menos que Hugo Weaving deixa alguns momentos memoráveis, como a cena em que o filho mais velho chega na mesa de jantar com um uniforme militar e o pai comenta sobre o amigo que adorava o uniforme e que levou o tiro pelas costas de modo que o sangue e as vísceras o sujaram, no fim, deseja que o filho levasse um tiro pela frente.
Há momentos cômicos, como por exemplo o romance que Desmond desenvolve com a enfermeira Dorothy (Teresa Palmer), tudo na inocência da época e aceitável pelo comportamento do personagem.

Os momentos de tensão chegam quando os soldados vão para a batalha, sendo um ponto de suma importância para que os EUA pudessem vencer a nação do sol nascente: Okinawa. Para quem assistiu a série The Pacific, ou simplesmente estudou a fundo sobre a Segunda Guerra, sabe o quão difícil foi vencer os japoneses lá.

Entre rajadas de tiros e um ambiente mortal que era localizado no alto de um desfiladeiro, não são ataques certeiros que fulgura o heroísmo de Desmond, mas sim seu desempenho em cumprir em que sempre acreditou: não matar.
E seus salvamentos sem nem mesmo tocar em uma arma garantem o filme naquele lugar no meu coração, tanto que muito lembrei de Gandhi, naquele filme em quem o interpreta é ninguém menos que Ben Kingsley. Onde a crença na não violência supera o mundo e seu estado de eternos conflitos.

“Mais um, por favor”, era sua oração

Não sou mais religioso, mas em tempos de Bolsonaro e alguns indivíduos que querem armar a população (justificando com passagens da bíblia…) e invocam a pena de morte, só consigo pensar num dos mandamentos mais importantes e que sempre teve peso em minhas reflexões:
Não matarás!

Ma’a salama

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